Ինչպես հայտնի նկարիչների նկարները դարձան նորաձևության մի մաս ՝ ձևավորելով քսաներորդ դարի նոր ոճ

2024 Հեղինակ: Richard Flannagan | [email protected]. Վերջին փոփոխված: 2023-12-16 00:08

Արվեստի և նորաձևության միջև կապերը սահմանում են պատմության որոշակի պահեր: Այս երկու միջոցներն էլ արտացոլում են սոցիալական, տնտեսական և քաղաքական փոփոխությունները մռնչող քսանյակից մինչև աշխույժ ութսունականներ: Ահա արվեստագետների և նորաձևության դիզայներների չորս օրինակ, ովքեր իրենց աշխատանքի շնորհիվ օգնեցին 20 -րդ դարի արվեստի և նորաձևության նոր հեռանկար ձևավորել:

1. Halston & Warhol: Fashion Brotherhood

Ռոյ Հալսթոնի և Էնդի Ուորհոլի բարեկամությունը որոշեց գեղարվեստական աշխարհը: Թե՛ Ռոյը և թե՛ Էնդին առաջնորդներ էին, ովքեր ճանապարհ հարթեցին նկարչին / դիզայներին հանրաճանաչություն դարձնելու համար: Նրանք հանեցին արվեստի աշխարհի հավակնոտ խարանը եւ նորաձեւություն ու ոճ բերեցին զանգվածներին: Պատկերները ստեղծելու համար Ուորհոլը մի քանի անգամ օգտագործել է մետաքսե տպագրություն: Չնայած նա, անշուշտ, չի հորինել գործընթացը, նա հեղափոխեց զանգվածային արտադրության գաղափարը:

Ռոյը գործվածքներ և նախշեր էր օգտագործում, որոնք պարզ և էլեգանտ էին, բայց դյութիչ ՝ փայլատակի, ուլտրաձևի և մետաքսի օգտագործմամբ: Նա առաջիններից էր, ով ամերիկյան նորաձևությունը հասանելի և ցանկալի դարձրեց: Երկուսն էլ իրենց վերջնական հետքը թողեցին արվեստի և ոճի վրա 1960 -ականներին, 70-80 -ականներին, ինչը շարունակվում է մինչ օրս:

Թե՛ Ռոյը և թե՛ Էնդին միասին աշխատել են բազմաթիվ տարբեր նախագծերի վրա: Ուորհոլը ստեղծեց գովազդային արշավներ, որոնցում ներկայացված էին Հալսթոնի հագուստը և նույնիսկ ինքը ՝ Հալսթոնը: Իր հերթին, Հալսթոնը օգտագործել է Ուորհոլի ծաղկային տպաքանակը իր հագուստի որոշ հավաքածուներում ՝ երեկոյան զգեստներից մինչև հանգստի հավաքածուներ:

Ռոյը իր նախշերի մեջ օգտագործել է պարզ նախշեր, որոնք դրանք շատ հաջողակ են դարձրել: Նրանք հարմար էին կրել, բայց նաև շքեղության երանգ ունեին գործվածքների, գույների և տպումների շնորհիվ: Ուորհոլը նաև պարզեցրեց իր նյութերն ու ընթացքը: Սա ավելի դյուրին դարձրեց նրա ստեղծագործությունների վերարտադրումը և դրանք դարձրեց ավելի վաճառվող:

Առևտրային հաջողություններն ունեցել են իրենց դժվարությունները երկու արվեստագետների համար: Հալսթոնն առաջինն էր, ով 1982 թվականին համագործակցեց JCPenney մանրածախ ցանցի հետ, և դա ազդեց նրա ապրանքանիշի որակի վրա: Ուորհոլը նույնպես արժանացավ քննադատության, քանի որ նրա աշխատանքը ընկալվում էր որպես մակերեսային: Այնուամենայնիվ, երկուսն էլ արդիականացրել են իրենց մանրածախ և շուկայավարման օգտագործումը իրենց համապատասխան տարածքներում ՝ զանգվածային շուկայի վաճառքի ապրանքանիշեր ստեղծելու համար:

Ռոյը և Էնդին հաճախ էին այցելում Studio 54: Նրանք խնջույքներ էին կազմակերպում, նախագծում և ստեղծագործում էին այնպիսի հայտնիների համար, ինչպիսիք էին Լիզա Մինելին, Բիանկա agագերը և Էլիզաբեթ Թեյլորը: Այս ամենը արտացոլված է նրանց աշխատանքում, քանի որ նրանք ոգեշնչել և սահմանել են 1970 -ականների դիսկոտեկի դարաշրջանը:

Հալսթոնը հայտնի էր փայլուն երեկոյան զգեստ ստեղծելով: Ռոյը սվինները հորիզոնական դրեց գործվածքների վրա ՝ ստեղծելով այն նյութի փայլուն ազդեցություն, որն օգտագործել էր շքեղ հանդերձանքներ ստեղծելու համար, որոնք սիրում էին շատ դյութիչ տիկնայք:

The Warhol Diamond Dust Shoes Series- ը նաև պատկերազարդում է Studio 54 -ի գիշերային կյանքը և այնտեղ ապրող հայտնիներին: Ադամանդի փոշին այն է, ինչ նա օգտագործել է տրաֆարետների կամ նկարների վրա ՝ կտորի համար ստեղծելով լրացուցիչ խորության տարր: Իսկ նրա կոշիկներն ի սկզբանե Հալսթոնի գովազդային արշավի գաղափարն էին: Ամեն դեպքում, այս երկուսը հսկայական ներդրում ունեցան նորաձևության մեջ ՝ իրենց հետևում թողնելով անջնջելի հետք: Իրոք, նույնիսկ այսօր շատ ժամանակակից դիզայներներ ոգեշնչված են Էնդիի և Ռոյի գաղափարներով ՝ ստեղծելով հոյակապ հավաքածուներ անցյալի արձագանքներով:

2. Սոնիա Դելոնեյ. Երբ արվեստը դառնում է նորաձևություն

Սոնիա Դելոնեյը ոչ միայն հեղափոխեց կուբիզմի նոր ձևը, այլև ներկայացրեց արվեստի և նորաձևության միջև կապը:Ե՛վ Դելոնեյը, և՛ նրա ամուսինը Օրֆիզմի առաջամարտիկներ էին և փորձեր էին անում արվեստի մեջ աբստրակցիայի տարբեր ձևերի հետ: Նա իր տեսակի մեջ առաջինն էր, ով օգտագործեց իր սեփական գեղարվեստական ոճը և տեղափոխվեց նորաձևության աշխարհ `օգտագործելով իր բնօրինակ տեքստիլային ձևերը, տպումները կամ նախշերը: Նրան ավելի շատ հիշում են արվեստի և ամուսնու հետ կապի, քան նորաձևության մասին: Նրա ոճը մեծ դեր խաղաց 1920 -ականներին, և նրա հագուստի կատալոգն ավելի շատ հիշվում է լուսանկարներով և հղումներով դեպի իր արվեստը, քան հագուստները: Սոնյայի համար արվեստի և նորաձևության միջև սահման չկար և չկա: Նրա համար նրանք նույնն են:

Նա իր նորաձևության բիզնեսը սկսեց 1920 -ական թվականներին ՝ հագուստ ստեղծելով հաճախորդների համար և գործվածքներ նախագծելով արտադրողների համար: Սոնյան իր պիտակն անվանեց «Միաժամանակ» և նույնիսկ ավելի հեռուն գնաց ՝ օգտագործելով տարբեր թեմաների գույն և նախշ: Workուգահեռությունը կարևոր դեր է խաղացել նրա աշխատանքում, և նրա անսովոր տեխնիկան հիշեցնում էր կարկատան ծածկոց կամ հյուսվածքներ Արևելյան Եվրոպայից. Գույները միմյանց վրա դրված էին, իսկ նախշերն օգտագործվում էին ներդաշնակություն և ռիթմ ստեղծելու համար: Նրա ընդհանուր թեմաները ներառում են քառակուսիներ / ուղղանկյուններ, եռանկյուններ և անկյունագծային գծեր կամ գնդեր, որոնք բոլորը համընկնում են նրա տարբեր ձևերի մեջ:

Դելունեյը երիտասարդ կին էր Էդվարդյանների ժամանակաշրջանում, երբ կորսետներն ու համապատասխանությունը նորմ էին: Սա փոխվեց 1920-ականներին, երբ կանայք սկսեցին կիսաշրջազգեստ հագնել ծնկից վերև և չամրացված, ձևին համապատասխան հագուստ: Այս ասպեկտը կարելի է տեսնել Դելաունեյի դիզայնում և նա կրքոտ էր ստեղծում հագուստ, որը կհամապատասխանի կանանց կարիքներին: Սոնյան մշակեց լողազգեստներ, որոնք թույլ էին տալիս կանանց ավելի հարմարավետ զգալ նույնիսկ սպորտով զբաղվելիս և լողալիս: Նա իր տպումները դրեց վերարկուների, կոշիկների, գլխարկների և նույնիսկ մեքենաների վրա ՝ ցանկացած կտավ օգտագործելով որպես կտավ: Նրա դիզայնը ստեղծեց շարժման և արտահայտման ազատություն գույնի և ձևի միջոցով:

Իր կարիերայի ընթացքում նա անընդհատ փորձում էր իրեն ինչ -որ նոր բանում, և արդյունքում տեղափոխվեց կինո և թատրոն: Սոնյան նախագծել է Ռենե Լե Սոմպտյեի «Փոքրիկ փարիզեցին» ֆիլմի զգեստները, իսկ ամուսինը `ֆիլմի նկարահանումները: Նա սիրում էր երկրաչափական ձևերը ՝ հմտորեն համադրելով և խառնելով դրանք միմյանց հետ ՝ ստեղծելով տարօրինակ նախշեր և կոտրված գծեր, որոնք դարձել են նրա նշանը:

3. Էլզա Սկիապարելիի և Սալվադոր Դալիի համագործակցություն

Սյուրռեալիստական արվեստի ավանգարդը զուգորդվում է սյուրռեալիստական նորաձևության առաջատարի հետ: Սալվադոր Դալին և նորաձևության դիզայներ Էլզա Սկիապարելլին իրենց կարիերայի ընթացքում համագործակցել և ոգեշնչել են միմյանց: Նրանք ստեղծեցին խորհրդանշական տեսք, ինչպիսիք են Lobster Dress- ը, The Shoe Hat- ը և The Tear Dress- ը, որոնք ցնցեցին և ոգեշնչեցին հանդիսատեսին ինչպես արվեստի, այնպես էլ նորաձևության մեջ: Դալին և Սկիապարելլին ճանապարհ հարթեցին նորաձևության դիզայներների և արտիստների միջև հետագա համագործակցության համար ՝ կամրջելով այն կրողը, որը համարվում է կրելի արվեստ և նորաձևություն: Դալին իր աշխատանքներում օմարներին օգտագործել է որպես պարբերական թեմա և հետաքրքրվել դրանց անատոմիայով:

«Օմար» զգեստը Էլզայի և Դալիի համատեղ աշխատանքն է, և նրանց ստեղծումը բազմաթիվ հակասություններ առաջացրեց ոչ միայն դեբյուտի օրը, այլև դրանից հետո: Նախ, այն ունի թափանցիկ կրծկալ և սպիտակ օրգանայի կիսաշրջազգեստ: Անսովոր հանդերձանքը բառացիորեն պայթեցրեց նորաձևության աշխարհը ՝ այս թեմայի շուրջ բազմաթիվ հակասություններ առաջացնելով: Սպիտակ կտորի օգտագործումը նույնպես հակադրվում է օմարին կարմիր գույնին: Սպիտակը կարմիրի համեմատ կարող է համարվել կույս կամ խորհրդանշել մաքրություն, ինչը կարող է նշանակել հանգստություն, ուժ կամ վտանգ:

Կմախքները սյուրռեալիստական արվեստի մեկ այլ թեմա են և օգտագործվել են Դալիի և Սկիապարելիի ավելի շատ համագործակցության մեջ: Կմախքի զգեստը իր տեսակի մեջ առաջինն էր: Էլզան օգտագործեց մի տեխնիկա, որը կոչվում էր trapunto, երբ գործվածքների երկու շերտերը կարվում են միասին ՝ ստեղծելով ուրվագիծ, որտեղ տեղադրվում է ծեծը, դրանով իսկ ստեղծելով բարձրացված ազդեցություն:Այս տեխնիկան հյուսվածքային մակերես է ստեղծում հարթ հյուսվածքի վրա ՝ պատրանք տալով, որ զգեստի միջով դուրս են գալիս մարդու ոսկորներ: Սա սկանդալ առաջացրեց, քանի որ զգեստը պատրաստված էր առաձգական նյութից, որը կպչում էր մաշկին: Դալիի նկարների և գծանկարների երևակայությունները մարմնավորվեցին Սկիապարելիի հանդերձանքների անիրական աշխարհում, որոնք մինչ օրս անջնջելի տպավորություն են թողնում ինչպես հեռուստադիտողների, այնպես էլ դիզայներների վրա:

4. Իվ Սեն Լորան. Արվեստի և ոգեշնչման բախում

Որտե՞ղ է ընդօրինակման և գնահատման սահմանը: Քննադատները, հանդիսատեսը, արվեստագետներն ու դիզայներները դժվարությամբ են որոշել, թե որտեղ է անցնում այս գիծը: Այնուամենայնիվ, երբ խոսքը վերաբերում էր Իվ Սեն Լորանին, նրա մտադրությունները ոչ այլ ինչ էին, քան շողոքորթություն և հիացմունք նկարիչների և նկարների նկատմամբ, որոնք նա օգտագործել էր որպես ոգեշնչում: Նայելով իր հսկայական պորտֆելին ՝ Սեն Լորանը ոգեշնչված էր աշխարհի մշակույթներից և արվեստից, որոնք նա հաջողությամբ ներառեց իր հագուստի մեջ:

Թեև Իվը երբեք չի հանդիպել իրեն ոգեշնչող արվեստագետներին, դա չի խանգարել ստեղծագործել ՝ ի նշան իրենց հարգանքի: Լորանը ոգեշնչվել է այնպիսի արվեստագետներից, ինչպիսիք են Մատիսը, Մոնդրիանը, Վան Գոգը, orորժ Բրակը և Պիկասոն: Նա արվեստի կոլեկցիոներ էր և հավաքում էր Պիկասոյի և Մատիսի կտավները, որոնք նա կախում էր իր տանը:

Իվը վերցրեց արվեստի մոտիվներից մի քանիսը և դրանք վերածեց շշմեցնող հագուստի, որը հարգանքի տուրք է մատուցում որոշ սիրված նկարիչների: 1960 -ականները հեղափոխության և կոմերցիոնալիզմի ժամանակաշրջան էին, նորաձևության և արվեստի նոր դարաշրջան: Սեն Լորանի նախագծերը առևտրային հաջողություններ ունեցան, երբ նա սկսեց ոգեշնչվել փոփ -արվեստից և աբստրակտից: 1965 թվականին նա ստեղծեց քսանվեց զգեստ ՝ ոգեշնչված Պիետ Մոնդրիանի վերացական նկարներից: Dressesգեստները մարմնավորում էին Մոնդրիանի պարզեցված ձևերի և համարձակ առաջնային գույների օգտագործումը: Իվն օգտագործեց մի տեխնիկա, որի դեպքում հյուսվածքների շերտերի միջև կարեր չէին երևում, ինչը տպավորություն ստեղծեց, որ հագուստը մեկ ամբողջական կտոր է: Սեն Լորանը վերցրեց Մոնդրիանի արվեստը 1920 -ականներից և այն դարձրեց կրելի 1960 -ականների համեմատ:

Նորաձև զգեստները 1960 -ականների ոճի դասական օրինակներ են: Նրանք նման էին 1920 -ականների հագուստին, որն ավելի քիչ կաշկանդված էր և ուներ թևեր և կիսագուլպաներ, որոնք ենթադրում էին մաշկի մեծ հատվածներ: Սեն Լորանի քառակուսի ուրվանկարները ստիպում էին կանանց իրենց զգալ թեթև և ազատ: Սա նաև նրան դրդեց ոգեշնչման էստրադային արվեստի այնպիսի արտիստներից, ինչպիսիք են Թոմ Վեսելմանը և Էնդի Ուորհոլը: Նա ստեղծեց փոփ -արվեստի ոգեշնչված նմուշների շարք, որոնք նրա հագուստի վրա պատկերում էին ուրվագծեր և կտրվածքներ: Այն վերաբերում էր արվեստում աբստրակցիայի սահմանափակումների հաղթահարմանը և դիզայնի առևտրայնացմանը: Լորանն այս երկու գաղափարները համախմբեց ՝ կանանց համար ստեղծելով անվճար և գրավիչ ժամանակակից տիկնայք:

Saint Laurent- ի Vincent Van Gogh բաճկոնները օրինակ են, թե ինչպես է Իվը համադրում արվեստագետի ոգեշնչումը սեփական դիզայներական տաղանդների հետ: Ինչպես իր մյուս հագուստները, այնպես էլ նկարիչների հետ կապված թեմաները չեն պատճենվել և չեն կպցվել Սեն Լորանի հագուստին: Փոխարենը, նա նախընտրեց դրանք օգտագործել որպես ոգեշնչման աղբյուր և ստեղծել կտորներ, որոնք արտացոլում են իր ոճը: Բաճկոնը 80 -ականների ոճի օրինակ է, որը ասեղնագործված է Վան Գոգի գեղատեսիլ ոճով արևածաղիկներով:

Լորենը համագործակցել է Maison Lesage- ի հետ, որը բարձր նորաձևության ասեղնագործության մեջ է: «Արեւածաղիկներ» բաճկոնը ասեղնագործված է գլանային ուլունքներով: Theաղիկները լցված են նարնջագույն և դեղին կայծերի տարբեր երանգներով: Սա ստեղծում է բազմաչափ հյուսվածք, որը նման է կտավին հաստ ներկ կիրառելու Վան Գոգի տեխնիկային: Այն գնահատվում է որպես բարձրակարգ նորաձևության ամենաթանկարժեք իրերից մեկը, որը երբևէ պատրաստվել և վաճառվել է Christie's- ում գրեթե չորս հարյուր հազար եվրոյով: Սեն Լորանը ճանապարհ հարթեց ինքնուրույն հագուստ կրելու համար ՝ անկախ արվեստի և ժամանակաշրջանի նորաձևությունից:

Շարունակելով թեման ՝ կարդացեք նաև մասին ինչը Սաեկո Յամագուչիին հասցրեց հաջողության ՝ նրան դարձնելով Կենզոյի և Յամամոտոյի ամենասիրված մուսաներից մեկը.